学习摄影史的意义在于从各种摄影流派建立的坐标系中把握摄影的发展脉络，这对摄影师看问题会有很大的帮助，并能建立起自己的艺术坐标体系。对于成熟摄影家来说，就是从史论来发展形成自己的风格。

 

摄影术发明的最初要求是能将影像拍出来，并能固定下来。

桌上的物品

最早的照片：由尼埃普斯拍摄的1822年《桌上的物品》，1826年被公认的世界上最早的照片《窗外的风景》

三人二术：

三人：尼埃普斯、达盖尔、塔尔伯特。

二术：1839年8月诞生达盖尔法：正——正  孤本

           1841年2月诞生塔尔伯特法：负——正  可以复制

早期的摄影与其它艺术门类相比，没有自己的艺术地位，甚至不被认为这是艺术。于是摄影开始了它的漫长的艺术求证过程。

模仿“高雅艺术”的实践：

u 题材的模仿：拍摄风景、人体、肖像、静物等。

u 形式的模仿：合成照片——1857年《人生的两条路》，1858年《逝去》

             

由以上这些反机械审美、模仿“高雅艺术”等观念逐渐形成的“画意摄影”，是第一个国际性的主流美学思想，对推动摄影被社会承认为一种艺术形式作出了不小贡献，是童年时期的摄影渴望成为艺术，进入艺术殿堂而做的最初的努力。而这一努力也让“画意摄影”在摄影史上留下了属于它的意义：它推动了摄影语言的丰富性。

“画意摄影”发展到顶盛时期，出现了一种新的思想：出于对“合成”的反感，彼得·亨利·爱默生在1889年出版的《自然摄影》一书中提出了“自然主义”，当然他并没有否认摄影应该与绘画拥有同等的地位，但是在如何与艺术挂钩上，他认为应该用符合人眼特征的透视法来表现摄影。然而在年老时，爱默生又放弃了“自然主义”，他踩了“画意摄影”一脚，却最终被画意摄影纳入自己的范畴。

 

摄影的基本特征     &    摄影本体美学思想

原真的拷贝———记录性———直接摄影

时间的切割———时间性———决定性瞬间

虽然经过“画意摄影”时期的努力，但是人们依然无法将摄影与其它艺术门类放在同等的位置上，直到第一次世界大战结束之后“机械美学”或说“战争美学”的出现，人们才开始慢慢接受这一由摄影本身的工具造就的机械式的直接美学。

“直接摄影”概念的出现：

——涉及到的关键人物或流派：

u 阿尔弗雷德·斯蒂格利茨：是一位有着犹太血统的全才摄影家。他深受欧洲文化的影响，早期曾是画意派摄影高手，后来成为纯粹主义摄影的倡导者和写实摄影的先驱者。作为摄影分离运动的先驱，他自己开画廊、办杂志，与一些艺术家积极向美国艺术界引进包括马蒂斯、毕加索在内的欧洲前卫艺术家，并将这些前卫艺术与摄影在他的画廊中并置摆放在一起，为提高摄影的艺术地位作出了贡献，同时对美国现代艺术观念转变产生了重大影响，因此被誉为美国“现代艺术之父”。

 

保罗·斯特兰德：认为摄影作品的价值来自于用“直接的摄影方法”，即依赖摄影本身的精细刻画能力，来表达摄影者对世界的真诚敬意。他的纽约街头匿名肖像曾改变了许多摄影师的拍摄观念。

 

u ［德国新客观主义］

 

代表人物有阿尔伯特·伦格尔·帕奇和卡尔·布罗斯菲尔德：艺术主张——强调与当时占主流地位沙龙味十足的画意摄影的决裂，倡导放弃后期的制作加工，而是以极度客观理性的态度用精确细腻的机器制作图片来探索现实。

u F＼64小组的主要代表是爱德华·韦斯顿和安塞尔·亚当斯：艺术主张——坚决摈弃当时画意摄影常用的柔焦镜头、模糊细节的做法，追求“影像的纯粹”，以锐利的光学结像、大景深、光面相纸接触印象，来直接获得清晰有力、质感鲜明的影像。

u 亨利·卡蒂埃–布列松：

 

1、 将绘画几何学、超现实主义直觉作为“决定性瞬间”的基石，提倡先关注照片的构图和视觉秩序，再让“戏剧性”来处理余下的一切。这一摄影独有的美学理论，极大地提升了摄影的艺术地位。

2、 谈论摄影本体也少不了对摄影器材的研究，器材对“决定性瞬间”理论起到了决定性的催化作用：快门与莱卡（速度与器材体积）

3、 “决定性瞬间”理论对后世的几代摄影师产生了深远的影响，无论是支持这一理论还是进一步发展的新理论，包括后来的：粗糙直率之美，反决定性瞬间的理论（反瞬间至上、反构图第一、反不干涉拍摄对象、反追求永恒与不凡），都是建立在卡蒂埃–布列松“决定性瞬间”理论基础之上产生的。

 

 

两个“美国人”的革命是摄影后现代的里程碑，为未来的摄影美学奠定了基调。

摄影家从个人的体验出发，观看并表达自身感受的世界，通过对生活常态和平庸无聊进行展示，剥去了弥漫在当时摄影界的英雄主义和浪漫主义，质疑当时意识形态化的人文主义价值观。用粗糙暴戾开放多义化的图像，来对抗现代主义摄影美学，对抗那种外观精致高雅、瞬间和构图控制精准、意义指向明确的图像。

u 罗伯特·弗兰克：

 

他是第一个获得古根海姆基金的外国摄影师，他拍摄了用语言难以说清的情境是对美国深层社会矛盾的揭示，将美国社会内里的东西吸出来，洒在底片上。这本由两万八千张照片中筛选出83张影印的《美国人》一经出版就受到了各种尖锐的批评，这种将社会的疏离、种族歧视等问题从看似繁华的现实中剥离出来的影像实质，让人们完全无法接受以往心目中美国的形象。刚出版时销量非常差，只卖出600册，但后来却大量脱销再版。

 

《美国人》的出版一举颠覆了布列松那除了美感与构图之外没有太多意义的决定性瞬间理论。

u 威廉·克莱因：

 

在《LIFE IS GOOD & GOOD FOR YOU IN NEW YORK》画册上，天才摄影师克莱因用慢门＋闪光、跨页、拼贴、组合等方式对待照片，让人看得目瞪口呆，各种粗糙的感觉和无意识的拍摄，最终的目的是反叛精致的瞬间。而观众、摄影师与被摄对象三者的关系也发生着微妙的变化。

 

在革命性的质问中，克莱因探讨了一个问题：除了以“精致刻画”和“瞬间切割”为基础的摄影之外，摄影还有哪些可能性？

 

（一） 、新时代的新风景：从［向着社会的风景］到［批判的风景］

［向着社会的风景］：1966年摄影展览“当代摄影家向着社会的风景”

参展摄影师：盖瑞·维诺格兰德，李·弗莱格兰德等5人

人与风景的关系：自然的风景——人为的风景——社会风景（街头摄影）

u 盖瑞·维诺格兰德整天用135广角扫街，条件反射式的快速记录瞬间一瞥，没有想过要改变社会的意愿，却将快照美学推到了一个新的高度。

 

u 李·弗莱格兰德则是不做任何社会评价，只是捕捉一些事实，他的所有照片都像坐在一辆不断行驶的公交车上进行的拍摄，用一种“破”的方式表现出撞上物体或被挡住的感觉。

［批判的风景］——新地形学，1975年的摄影展览“人为改变的风景照片”

参展摄影师：罗伯特·亚当斯，斯蒂文·肖，贝歇夫妇等10人

新地形学是以科学的测量方式来做地形研究，用客观呈现、冷静理性的方式表现人类自己建立的风景或遭到人类入侵的风景。

 

罗伯特·亚当斯是十人中最突出的一位，斯蒂文·肖的色彩表现非常好，贝歇夫妇在这次展览中展出的是早期对同一个建筑物不同侧面的表现。

从［向着社会的风景］到［批判的风景］，风景概念的扩展与艺术理念相对应的美学趣味发生了重大改变，使用大画幅的精致影像质量来表现人对自然的入侵是十分严重的事实，从而对人与自然、人与世界关系进行重新审视。

 

（二）、新时代的新纪实：新一代的纪实摄影师们以批判的善于观察的眼睛，抽离出现代生活中的悲怆和冲突，不作修饰，区别于以“美国农场安全局（FSA）摄影为代表的传统纪实摄影理念。

代表摄影师有：盖瑞·维诺格兰德，李·弗莱格兰德，戴安·阿勃丝

 

（三）、新时代的新彩色：

时代背景：20世纪美国消费主义的兴起，消费促生广告对彩色摄影的需求。

代表摄影师：威廉·艾格斯顿——快照＋色彩，利用色彩的主观性影像表达经过后期调整，表现出与真实场景不同的重组过的色彩。

色彩既是客观的，又是主观的，色彩不再是一种“手段”，一种帮助更好地描绘事物的手段，色彩可以成为影像表达的主体，照片可以只为色彩而拍，为色彩隐含的情感力量而拍摄。

（四）、私摄影：私的文献

u 私摄影的鼻祖：拉里·克拉克 —— 摄影集《特尔萨》

u 私摄影的巅峰：南·戈尔丁 —— 摄影集《性依赖的叙述曲》

理念：1、我不是一个窥探者，而是一个参与者。

2、我是你的镜子。

 

特征：批判与反思，融合与跨界。

 

在一天的课程时间内将发展了一百多年的摄影史讲清楚是一件不容易的事，其内容应该是赵刚老师从世界摄影史中罗列出来的浓缩精华版，而我这篇笔记属于在赵老师上课内容基础之上整理出来的更为浓缩的概要。打个比方，就像是用超广角镜头所拍摄的全景，而不是长焦镜头抓取的细节，所以只能从史论发展的概况去理解摄影发展的脉络，从而宏观地把握一点方向。

课程内容编排的顺序是按时间的进程（历史发展的脉络）展开的，不难看出摄影界一直都在为能将摄影提升到艺术的高度做出努力，而摄影史则是摄影争取成为拥有与其它艺术平起平坐地位的道路上不断探索与前进的过程。

另一方面，沿着这一体系设定的方向，每一位摄影师都可以把平时注意到的自己感兴趣的一些零散信息不断补充进来丰富这个体系，从而建立起属于自己的摄影史艺术坐标体系，并逐渐产生自己的艺术风格。

------------------------------------------------------------------------------------------------------------摘自中国摄影家协会网