徐殿奎从事摄影的起点并不高。他1964年入伍当海军，是个文化干事，业余拍些图片，1975年转业到淮北市宣传部，后调到《淮北日报》，专业从事摄影。在一个不知名的地方级报纸从事摄影，放眼望去，这样的人有很多，或许可以有点小名气，但很难成为大家。而徐殿奎就是在这样一个很平常的环境和平台上渐渐显露出来，当生活渐渐平庸化的时候，他仍然保持着敏锐的观察与捕捉，这使得他在新闻摄影之外，开辟出一条艺术摄影的道路。

　　新闻摄影关注的是新与奇，要有激情，艺术摄影关注的是美，往往需要更多的思想积淀与独到眼光。他的艺术摄影，绝非不食人间烟火的唯美，恰恰相反，充满了人间烟火味，是对人世间最普遍的，共通的情感的表现与肯定。他最常说的一句话是“美就在身边”。他随时在细心地观察着周围的一切，上下班的人流，放学的孩子，卖糖球的生意人，街头的摊贩，只要有所触动，他都抓住不放。他说，“我的创作激情都是由生活的火花点燃的。 ”

　　他的代表作之一《摇篮曲》便是在这样的情境下完成的。那还是20多年前，在新疆，他扛着相机走街串巷,发现哪家院落的门开着,便好奇地走进去看看。在一个院落里,他看到一位慈祥的老奶奶一边哼着小曲,一边用脚晃动着摇篮,摇篮里酣睡着小宝贝。没敢惊动老人，他悄悄换上150mm镜头,在较远处选择最佳拍摄角度和瞬间,按下快门。这是一张传递着人世的艰苦与温馨的难得之作，然而在当年的政治氛围下，这张照片因为有些人认为“落后、不雅”而被束之高阁。但徐殿奎坚持认为：作品不是因为发表才称其为作品。后来，这幅作品入选多个影展与大型画册，以它的真实、自然、温馨感动着无数人。

　　在艺术家的眼中，任何东西都是有感情的。身边的美，是要用心灵去发现的。看徐殿奎的作品，便有这种感觉。他绝不去猎奇，只把镜头对准最普通的民众，最底层的群体，将他们平常生活中有代表性的一瞬用镜头记录下来，这一瞬，因为沟通了所有人的情感，而成为永恒。

　　他有一组作品《我的童年》，拍摄于不同的时间、地点，记录的是原生态的，古朴的儿童的生活。在一个船上人家，一个被绳子捆住腰的小小孩童正努力地前倾着身子，试图去触摸他喜欢的东西；一个街头的修鞋人将孩子夹在腿上，专注地修着鞋，孩子很小，光光的屁股露在外面；一个小小的孩子坐在高高的木桶上扒饭，大大的海碗遮住了小脸。

　　与此相类似的还有一组作品《沉重的爱》。背着孩子，三步一磕头前去朝拜的藏民；乡间小道上，将婴儿用布带捆在背后，准备上路的年轻夫妇；山野间，拿着农具干活的父亲摘下一朵杜鹃，温情地递给幼小的女儿。

　　他的摄影作品中来自底层的古朴，给人以遥远的回想，然而分明又有着穿越时空的力量，在现代人的心中引起强烈的震撼。时代在前进，生活在变化，然而发自人类内心的情感亘古不变。他抓住这一点，作品便有了生命。

　　钟情黑白摄影

　　一个有才华的摄影家，能够熟练地运用各种技术手段，自由地去创造美。徐殿奎说，“照相技术是科学的，准确的，然而如果一切都太科学了，也就不太艺术了。 ”所以他使用滤色镜，有时并不增加曝光量，而是有意去掉中间层次，形成黑与白两大主调。这样得来的作品，对比强烈，主次分明，有着极强的版画效果。如他在宜兴时拍摄的《江水悠悠》就大胆地使用了滤色镜而不增加曝光量，使本来有点发绿的水变成了黑色，大大增加了作品的版画味道。

　　他的很多摄影作品都有着这样的特质。在彩色摄影大受青睐的今天，他仍然钟情于黑白摄影，他说在艺术的世界里，彩色始终代替不了黑白。黑白是把纷呈的色彩极大地概括、简化，它更强调了似与不似，对作者的才能也提出了更高的要求。徐殿奎拍摄的黑白照片强烈地追求黑白版画的效果，他喜欢用反差较大的相纸、胶卷来提高影调的反差，形成了自己独特的风格。

　　一幅优秀的摄影作品，是技术与心灵的结合。徐殿奎的《百姓》，便是两者结合的表现。中国的百姓，老实、善良，同时也流露着历史造成的愚昧与呆滞感。怎样表现这种形象？他进行了一些创新性的尝试。在一次乡村庙会上，他采取两次曝光的方法，将一位憨厚的老农形象和赶庙会的人群叠拍在一张底片上。这种重复与叠加，将个体与他所代表的群体融在一起，其中的历史意味与悲悯眼光，耐人回味。

　　近年的徐殿奎，常客居美国。但他说，“越是去美国的次数多，越是觉得还是中国好。”不仅仅是思乡情重，更重要的，是他的艺术的根，深深地扎在中国大地上，国外物质的丰饶，并不能够激起他创作的冲动，让他魂牵梦萦的，仍然是故乡的一景一物，那来自生命深处的遥远的回想。